Anne Linnet lufter andet end lagner

1 Comment

Jeg har ikke været i seng med Anne Linnet. Hvis det bliver mellem mig og læseren vil jeg dog gerne medgive, at der var tider, hvor tanken ikke var mig ukær. Jeg tror ikke, jeg var alene om at få næret, hvad hun selv absolut ikke vil karakterisere som syndige drømme.

B.T. ledes af en tidligere Cavling-nomineret, der i sin tid på DR var en våbendrager for etik og mod forløjet opportunisme. Den oplagsskrantende tabloidavis har på det seneste brugt såkaldte skrælninger af Anne Linnets nye bog, Testamentet, som en løssalgsfremmer og et nøglehul ind til en verden af søde fristelser og forbudne frugter, som det kræver mod at række op for at få fat i. Ja, B.T. har sågar offentliggjort en veritabel liste over dem, sangeren selv siger, hun har haft et forhold til. Det skal siges til avisens undskyldning, at navnene ikke er grebet ud af den blå luft.

Anne Linnet er nemlig ikke karrig med betroelserne i sin bog. Vi kommer helt op mellem lårene, så duften kan fornemmes. Og selv om hun kun sjældent sætter efternavn på de kvinder, hun forfører som en selvudnævnt kvindelig Don Juan, er det ikke vanskeligt at deducere sig frem til hvem, der er hvem. Susse, Ulla o.s.v. Og hvem, der sikkert ikke ville have ønsket at se sig selv så blotlagt, selv om forfatteren hævder, at de alle har været indforståede med det – altså at blive beskrevet så mange år efter. Der, hvor grænsen burde have gået, er, når Linnet i slet skjulte anonymiseringer f.eks. fortæller, hvilken musiker hendes daværende og nu afdøde mand, Holger Laumann, gik i seng med som konsekvens af et parforhold, som byggede på lige dele kærlighed og konkurrence. Et såkaldt frit forhold (med børnene som tilsyneladende velfungerende bifigurer). Eller det blev det, fordi den ene ikke ville stå tilbage for den anden, når det gjaldt udenomsægteskabelige eventyr.

Jeg har heller ikke brug for at vide, at samme Holger dengang regelmæssigt slog sin unge kone.

Det kommer måske bag på B.T. og dets læsere, men for de ikke helt få, som enten i brancheøjemed eller fordi de hang ud ved de samme vandhuller i Indre By, kommer den linnet’ske optagethed af det, hun selv kalder seksualpsykologidriften (efter en bogtitel) ikke som nogen overraskelse. Der stod i de år, fra midt-70′erne til midt-80′erne, altid en berusende em af erotik og et mærkeligt determineret letsind omkring Anne Linnet.

Hun skjulte ikke sit begær og sin livslyst, og demonstrerede ofte en æggende svaghed for fotogene, yngre kvinder, som ikke blev gemt væk i et skab, men i bogstavelig og overført forstand sad på skødet af hende, når den pladeselskabsbetalte champagne (det var dengang…) blev skyllet efter med campari ud på de små timer.

Alt dette er på sin vis naturligvis ret pirrende for den ugebladsagtige nyfigenhed, ingen kan sige sig fri for at rumme, men selv om Linnets forlægger har ret, når han siger, at bogen skam handler om meget andet, tror jeg ikke ligefrem han bander over B.T., når han letfodet går ned til banken. Bogen er en bestseller. Og julesalget er endnu ikke begyndt.

Men er det også en god bog?

Tjoh, den har sine sider, og dem er der nok af – 574 (uden billeder). Faktisk ret mange for mange.

Bogen er en sær konstruktion af noget semi-fiktivt i en prætentiøs ramme (den skal forestille at være efterladte papirer til et barnebarn) og så erindringer, som absolut er for de indforståede – hvad angår det karrieremæssige og faglige. Man skal kunne sin Anne Linnet for at hænge med. Hun skriver ikke dårligt, det er først og fremmest lige-ud-ad-landevejen-effektivt, men en redaktør ville ikke have været af vejen. Forfatteren Anne Linnet kunne også med fordel have søgt råd hos sangskriveren af samme navn. Resultatet ville så have været lidt mindre tonløshed og meget mere poesi.

Under læsningen af denne imponerende detailrigdom (mon hun har ført dagbog?) kom jeg til at tænke på dengang en af mine døtre gik i folkeskole og kom hjem og skulle fortælle, hvordan hendes dag var gået. Det foregik efter denne model: “Og så sagde Kamma, men det ville hende fra ottende ikke finde sig i og så gik vi over til ham der, du godt ved, og der var ikke nogen hjemme, men heldigvis kom… men hun var også blevet sur og Amalie har fået kaniner og så endte vi alligevel med at spise pizza og synes du ikke, Line opførte sig strengt, hva’ far?” Det tog sin tid, og man smilede huldsaligt imens.

Det interessante er for mig er ikke den store (0ver)vægt på det erotiske og erobringerne. De kommer tit til at virke ufrivilligt selvafslørende, disse beskrivelser af et menneske på rastløs jagt efter det, hun kalder mødet med guderne. Man kunne også kalde det sex, flirt og pleje af forfængeligheden, og kun sjældent forelskelse og noget dybere, vi kunne kalde kærlighed – og når det sker forbliver den uforløst.

Der er til en vis grad noget afstumpet og egoistisk over eskapaderne, som ikke umiddelbart virker tiltalende. Næste, næste, næste… Til gengæld åbenbarer de malende og detaljerede skildringer af hendes ekskursioner udi seksualitetens randområder en ægte, frygtløs vilje til at udforske sit eget indre univers. At det så kapitaliserede sig som holdbare kunstneriske statements som Marquis de Sade er en ekstra bonus.

Nu er det ikke sådan, at Anne Linnet ikke reflekterer over sit liv. Det gør hun, og der er stærke og rørende skildringer. F.eks. tegner hun et fint og følsomt billede af sin far. Og forholdet til de andre piger i Shit & Chanel fremstår som om det var sådan det var. “Vi har hinanden i musikken. Det er en gave,” konstaterer hun. Og som et frigørende indblik til en anden virkelighed virker en beskrivelse af mødet med en af faderens kollegaer, den aldrende polske sygeplejerske Godeliva. Hun lærer alene ved sin næsten indianske væremåde Linnet noget om glæden. Både i musikken og ved livet.

Forretningskvinden Anne Linnet gemmer hun åbenbart til næste bind, men vi er nogle, der godt ville vide, hvorfor Shit & Chanel egentlig blev opløst. Vi ville også gerne have haft mere at vide om omverdenens modtagelse af de forskellige musikalske faser, hun har gennemlevet. I det hele taget noget mere om den tid, der formede hende og hvordan hun ser på den i dag. Er 80′erne en gang opreklameret pastelfarvet lort? Det kan godt være hun ikke skåner sig selv, men bogen havde fået mere kant, hvis hun ikke skildrede så mange forskellige mennesker på den samme kindkyssende facon.

Til gengæld er der for få, men ret gode overvejelser om den musik, der bærer det hele. Vi er i øvelokalerne, i værkstedet, både hos Shit & Chanel, Anne Linnet Band og Marquis de Sade, og her kommer den konservatorieuddannede Anne Linnet forfatteren til hjælp med præcise signalementer af musikken og hvordan den bliver til.

Omvendt sælger guitarlæderstroppe nok ikke så mange bøger som læderpiske på stripbar. På den led lever Anne Linnet op til sit branchery som en markedsrealist, men alene længden af denne anmeldelse antyder, at hun har skrevet en bog alenlangt fra den berøringsangst, der ellers er normen, når berømtheder husker tilbage.

Anne Linnet: Testamentet. People’s Press. 574 sider.

Forsidefoto: Les Kaner.

FØLG MIG PÅ FACEBOOK

 

 

 

Readmore  

Thomas Negrijn i faluröd och vitt

Kommentarer slået fra

Kunne man forestille sig en svensk rocksanger synge en ode, der priser rødgrød med fløde – på dansk? Nej, vel? Kunne man forestille sig en dansk sanger, der lovsynger en svensk nationalret – på svensk? Ikke indtil Thomas Negrijn udsendte albummet Sverige är bra!! Her erklærer han sin kærlighed til köttbulle i sangen af samme navn, så tyttebærdyppelsen står ud af mundvigene på ham.

Mens han tygger færdig lige en opdatering: Negrijn har ikke haft den mest snorlige karriere. Han startede som dynamoen i det lovende, men også lovligt pompøse 80′er-band, Simcess, fik østasiastisk succes i 90′erne med Blink og har siden arbejdet sammen med bl.a. Joachim Ussing og udsendt lavprofilerede, men kunstnerisk aldrig uinteressante soloplader. Senest dog i duo under dæknavnet Fru Thomsen med hustruen Signe Trøst Jørgensen med den alternativt socialrealistiske plade, ‘Vi mødes kun i glimt’.

Som mange andre danskere er han vild med svensk og svenskerne. Især deres hockeyspillere og popsangere. Det kan jeg godt forstå. Og jeg kan, som han, ikke forstå det kulturelle jerntæppe, der trods broen går gennem Øresund. At det så mest er svenskerne, der ikke aner end disse om dansk kultur, er en anden sag. Men uden Ingmar Bergman, Gunnar Ekelöf, Ingmar Stenmark, ABBA, Björn Borg, The Shanes, Ted Gärdestad, Ulf Lundell, Kent, Tre Kronor, Tomas Ledin, Zlatan – fortsæt selv listen – havde dansk kultur ikke haft noget at måle sig op imod. At vi så tit bliver skåret ned til almuesokkeholderne af disse danskdödare i den konkurrence forbigår vi behændigt.

Den samme næsten landsforræderiske kærlighed til Sverige nærer Negrijn. Han har købt sig en ødegård i Norra Skåne og på den har han med “sin tudsegamle analoge Fostex-båndoptager” indspillet et helt album på sit hemmelige andet modersmål. Det lyder så svensk, at det kan narre en dansker. Alene den måde han udtaler d’et i “ord” på…

Stilen er unplugged, med samme tilbagelænede anti-attitude som McCartney på dennes første soloplader. Og som melodiker (og sanger) kan Negrijn også minde om en Søren Kragh-Jacobsen, der som måske bekendt også havde et eller andet med Småland. Men også om en visesanger som Göran Fristorp.

Efter “år med rock ‘n’ roll och party” har Negrijn fundet sin egen plads i evigheden, synger han nænsomt på ‘Faluröd och vitt’ om at leve et sted, hvor stilheden er konge. Eller “kung”. Og der med fødderne i det dugvåde græs og myggene svirrende hylder han i titelsangen landet som “är bra o’ha” – en frisk popsang. Som sagtens kunne have været skrevet af den alt for tidligt afdøde Gärdestad, hvis ‘Oh, vilken härlig dag’ Negrijn fortolker kongenialt, men måske lige lovlig loyalt. Så har han mere dybde i sin tolkning af Thåström ‘Vacker död stad’, den eneste skæring på pladen med band. Måske derfor.

Ellers er der mest af ham selv, og det er faktisk ret godt. Han kan det der med at finde det store i det små på sange som ‘Krop mott krop’ og “Galet ja”. Og på et par næsten verdensmusikalske vignetter frigiver han faktisk noget af den fortroldethed og mystik, der er en del af charmen ved et land, hvor man ikke kan undgå at se skoven for bare træer.

Thomas Negrijn: Sverige är bra!! Producer: Kalle Svensson (hedder han det?). Gateway Music.

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

Kollega Capac har også – for længst – anmeldt pladen.

 

 

 

 

Readmore  

Butiksdøden truer ikke Love Shop

Kommentarer slået fra

Det tjener Jens Unmack til ære, at han aldrig har lukreret på, at skæbnen naturstridigt slog fatalt ned to gange i hans band, Love Shop. Først døde Hilmer Hassig og siden Henrik Hall. Rockmyter er blevet skabt på mindre. Unmack har koncentreret sig om at ikke alene at holde butikken åben, men at sørge for at den ikke blev en mindestue, men et lysende og levende budskab om de tos betydning for hans musik.

Og de er med ham derude, her hvor Love Shop er i gang med en superlativfremkaldende Danmarksturne. En Facebook-kommentar sagde det hele, da Karen Madsen på bandets side udbrød: “Var helt forelsket, da vi gik hjem…”

Sådan har jeg det også efter igen og igen at have været igennem Skandinavisk lyst, bandets første uden Hall. Jeg skriver ‘bandet’ lidt tøvende, for Unmack er og bliver krumtappen, men uden klaviaturspilleren Mikkel Damgaard, guitaristerne Mika Vandborg og Jens Hellemann samt rytmesektionen Thomas Risell og Thomas Duus ville hans æteriske sange svæve væk i et smukt, men forgængeligt drømmesyn. De musikere holder ham både flyvende og jordnær.

Der lurer altid i Unmacks sange en risiko for, at hengivenheden over for skønheden bliver et mål sig selv, bliver til flitterstads og filigran, en higen mod en verdensfjernhed, som i virkeligheden er udtryk for den uhelbredelige romantiker, han også huser.

Omvendt synger få, ikke kun herhjemme, med så naturligt indbygget lyrisk resonans. Hans stemme er det stof, poesi er gjort af. Og det bliver især tydeligt, når han lader sin indre konkretistiske lyriker få frit løb. Hvem vil ellers kunne få ord som “vi har den vertikal tilfælles/jeg er dit opsvings kontrapunkt” til at lyde som det det er – en svimlende kærlighedserklæring. Andre steder synger han ‘bare’ “I love you’ på sin helt egen facon: “Jeg er den chance som du tager/du er mit spørgsmål uden svar” som det hedder i ‘Den eneste’. Eller på titelsangen, hvor han fortrøstningsfuld ægger: “Fortsæt lige frem, vi kommer aldrig hjem…” Og så er det ikke hver dag man støder på metaforer som “fri som Vestberlin”.

Man kan indvende, at en del af sangene ligner hinanden, mest fordi de er arrangeret lidt for ens, og at lidt mere frigjort guitar ikke ville have været at foragte, men sange som ‘Kvælertag’, titelnummerets blufærdige privatlivskig, den bedårende ‘Skyggehjerte’, ‘Sommeren der aldrig kom’ og den afsluttende ‘Bliv Ikke Væk For Længe’, hvor Unmack lyder som en croonende Steffen Brandt, er ædel, skamløs pop, men ikke kun pop. Alvoren og frygten for at miste synger med.

De sange er dansante vidensbyrd om en sanger og sangskriver, der synger sin egen florlette blues, men kan have sit hyr med både kærligheden og virkeligheden. Heldigvis, for ellers ville han lide  butiksdøden.

Love Shop: Skandinavisk lyst. Producer: Mikkel Damgaard. A:larm/Universal.

Illustration: Cover artwork af Anne Mette Degn-Petersen.

Skulle man få lyst til at se, hvad bandet ellers har på hylderne, fortsætter turneen:

15.11 – Posten, Odense
16.11 – Paletten, Viborg
17.11 – Studenterhuset, Aalborg
22.11 – Tobakken, Esbjerg
23.11 – Sønderborghus, Sønderborg
24.11 – Fermaten, Herning
29.11 – Train, Aarhus
30.11 – Godset, Kolding
01.12 – Amager Bio, København (udsolgt)
02.12 – Vega, København

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

Readmore  

Covers: Karton eller kunst

2 Comments

»You can’t judge a book by looking at its cover,« sang Bo Diddley. Han kunne også have sunget om et pladeomslag. Det var til at forstå, hvad han mente. Navnlig dengang, i 1962, hvor kunsten at indpakke en lp endnu ikke var blevet – en kunst.

Siden udviklede omslagene sig til at være anprisende, forførende grænsende til det vildledende, men også i stadig højere grad i sync med den musik, de skjulte. Her i dette lukkede rum må jeg tilstå, at jeg har købt plader alene på grund af coveret. Af grunde som jeg vil lade andre om at bedømme var der tale om plader, der viste de mest fotogene sider af sangerinden.

Den mekanisme får jeg stikord til i bogen Pladecovers – vinylens revival, som samtidig er det (farve)rigt illustrerede katalog til den inspirerende og historiefortællende udstilling om pladeomslagets udvikling, som vises på Design Museum Danmark frem til marts næste år.

I bogen får jeg at vide, hvorfor jeg lagde 44,50 på disken i Fona i 1972 og fik Chi Coltranes debut-lp retur. Uden at høre den først. Det handler om at »emballagen fylder os med begær … og gennem sansestimuli forfører … os ved at repræsentere en personlighed, nogle værdier og en livsholdning, som afspejler, hvem vi er,« som phd.-stipendiat Laura Liv Weikop skriver. Der fik jeg lige den. Chi Coltrane-coveret er ikke med i bogen…

Som man måske kan ane er det at skrive om albumcoverkunst nu en akademisk disciplin. Det kommer nok ikke bag på de mange af os, der i lp’ens guldalder med skødesløs omhu placerede de hippeste omslag mest synlige, at omslagene blev brugt som markører – af smag og af segmentstilhørsforhold, men Pladecovers giver en grundig indføring i hvornår og hvorfor.

Lixtallet og ordrigdommen forekommer noget opskruet og videnskabeligt positionerende – og, som De, kære læser, måske kan fornemme, også afsmittende, men foruden faglig kyndighed og overblik er der kærlighed til musikken på spil. Lad så være, at strammere redigering kunne have reduceret overlapninger og gentagelser.

Således kunne netop Weikops tre kapitler om coverets atmosfære, kønsidentitetsafsøgning (undskyld, der kom afsmitningen) og renæssance med fordel være kogt ind til et. Hun ser godt, men ville få os andre til at se endnu bedre, hvis hun glemte sin akademiske status, når hun satte sig til tasterne – i hvert fald i denne sammenhæng. Derimod virker de to afsnit af biblioteks- og forskningschef, Lars Dybdahl, som starten på en bog, han gerne må skrive færdig. Via coverets vej fra ufarvet karton til dagens mangfoldighed fortæller han kulturhistorie, så man kan høre og se den.

Lige så veloplagt, men sprogligt mere tilgængelig gennemgår Peter Michael Hornung indpakningen af klassisk musik. F.eks. vidste jeg ikke, at når man bruger Delacroix-portrættet af Chopin, skyldes det, at den eneste daguerreotypi af komponisten viser ham »syg og nedbrudt.« På samme måde har vi kun foto af Robert Schumann som sindssyg. Derfor kagedåsemotiverne.

Hornung glemmer nådigt de violinvirtuoser, der poserer som var de med i en Miss Wet T-shirt-konkurrence, og om de evigt unge udgaver af Cecilia Bartoli og Anne-Sophie Mutter nøjes han med at sige: »Et cover er også et stykke forførelseskunst …« Til gengæld har han et skarpt blik for den helteposerende Herbert von Karajan.

Bibliotekar Nils Frederiksen skriver genreforelsket om sort musik i s/h og farver, og har et godt blik for, hvor mange farver der egentlig kan være i et sort/hvidt cover. Han fremhæver med rette Blue Note-æstetikken. At jeg så er uenig i hans nedvurdering af de stilrene danske SteepleChase-omslag er en anden sag. Desuden rider kunstkenderen og Elvis-elskeren Ole Lindboe kækt sin gamle kæphest om coverkunstens kitschede ælling, easy listening.

Naturligvis er der udeladelser. En af de uforståelige er The Who. Det band har ellers bevidst balanceret mellem underholdning, kunst og det, Dybdahl kalder varegørelsen af musikken.

Mere grundlæggende er den skævvridning, det giver at se coveret i så anglo-amerikansk en optik – hvad med Sverige, Tyskland og Italien? Ja, Danmark såmænd.

Peder Bundgaard affærdiges med et Gasolin’-cover, ikke engang hans bedste. Og det forbigås, at han som designer på CBS som noget nyt herhjemme klædte kunstnerne grafisk på, fra Gasolin’ over Kim Larsen til TV-2 og Sort Sol. Lige så brand’ende var Peter Ravn, som er med på udstillingen, men ikke i bogen. Hans stilsikre omslag med Tøsedrengene viser, at vi herhjemme ikke står på skuldrene af de toneangivende coverkunstnere, som vises og nævnes i bogen.

I mangt og meget skildrer bogen en tid, der var. Streaming og download har som bekendt sat værktanken under noget, der ligner dødbringende pres.

Forfatterne anfører, at cd’en slog coverkunsten ihjel, men overser de mange grafisk tilfredsstillende og ofte udfordrende løsninger, designere er kommet med for at gøre f.eks. cd-bokssæt til noget i selv. Forfatterne savner på romantisk vis vinylen. Man betoner, at det danske vinylsalg er seksdoblet på ti år. Men glemmer at fortælle, at lp’er i 2011 stadig kun udgjorde 0,7 pct. af det samlede salg.

Noget helt andet er så, om der mon om ti år bliver nok nye albumcovere til at fylde en udstilling eller vi skal vænne os til, at musikken i sig selv er billedfremkaldende og det så bliver op til din fantasi at pakke den ind og ud?

Lars Dybdahl & Laura Liv Weikop m.fl.: Pladecovers – vinylens revival. Redaktion: Claes Benthien og Annette Ekstrand. Forlaget Vandkunsten, 220 sider, Ill. i stort format. 279,95 kr.

Illustration: Bogforsiden (koncipereret af Jarl Christian Axel Hansen og (foto) Magnus Ekström)

Denne anmeldelse kan i en lidt kortere version læses i dagens udgave af Politiken Bøger.

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

Readmore  

Altid nogen hjemme hos Larsen

1 Comment

De findes skam, de programmer, hvor værten ikke kun inviterer gæster for at promovere sin teflonbelagte forfængelighed, de programmer, hvor diskussioner ikke pr. automatik udarter til skænderi, de programmer, hvor man ikke forveksler højrøstethed og engagement, de programmer, som har mod til at lade seeren/lytteren tænke sit.

Sådan et program har Karen Secher i over 180 programmer været vært for på P1. Det hedder ’Besøgstid’, og har kørt så længe, at man kan frygte det overvejet nedlagt af den altid rastløse DR-ledelse, der har gjort omskiftelighed til en kvalitet i sig selv, en slags bevis på at de betyder noget.

I ugens udgave var hun hjemme hos en konstant i dansk kultur, Kim Larsen. Anledningen var vel hans kommende cd, Du glade verden. Nu behøver Larsen ingen anledning, der er altid nogen hjemme, men det var fint at høre ham i et regi, som ikke var en produktreklame, men en samtale. Den varede en time. Og føltes kortere.

Karen Secher evner at turde lade sine besøgende tale ud, uden at hun derfor bliver mikrofonholder. Og Larsen er så gammeldags høflig og ægte interesseret, at han lytter til spørgsmålene, før han svarer.

Da den lidt for svulstige, læste intro var overstået, tog programmet med rette en masse for givet og brugte ikke tid på mellemregninger. I stedet anslog Secher og Larsen temaer, man kan kalde eksistentielle, hvis det ikke var fordi Larsen angiveligt har det med filosoffer som bondemanden i ‘Store Claus og Lille Claus’ havde det med degne.

Vi vendte guddommeligheden i skabelsesprocessen, også den noget mindre, men lige så afgørende af slagsen i sangskrivningen. Og balancegangen mellem det, Larsen kaldte »det kontrollerede vanvid og det uforklarlige«. Den mødte han først hos Little Richard og siden hos Pontoppidan. Den spændvidde gør ikke mange ham efter. Det gør han ikke selv stor stads ud af, kalder sig bare videbegærlig. Og er dannet på en måde, der på nogen kan virke gammeldags. Vi er nogle, der finder den tidløs.

Og fremhævede, hvordan Gasolin’ fik ham til at indse, at musikken er større end egoet. Den erkendelse kom, efter at de andre havde givet den »følsomme, lille tøsedreng« hug for at fylde for meget.

Samtalen med P1-værten, som Larsen med konsekvent kun kaldte ved efternavn, betonede samtidig, hvorfor vi mangler en ordentlig bog med og om ham. Han er jo det talte sprogs mester. Her tænker jeg ikke kun på, at han kan affyre one liners, så de ikke lyder som klicheer. Næh, han har noget at sige, fordi han har noget på hjerte. Og fordi han har bevaret eller måske rendyrket evnen til forundring. Som han sagde: Den, der kan bedåres, bliver aldrig kynisk.

Det tonefald lader sig ikke overføre til skriftsprog. Og så kan det godt være, at Larsen også er lidt af en krukke, men den går der som bekendt ikke skår af, bare den er solid nok.

Godt, at P1 kendte sin besøgelsestid.

Foto: Thomas Holmby Hansen © DR

Programmet kan, sammen med andre i serien, (gen)høres her.

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 Dette er en lidt længere version af den anmeldelse som kan læses i dagens printudgave af Politiken.

 

Readmore  

Eik Skaløe – fra ulveunge til steppeulv

Kommentarer slået fra

Steppeulvenes første og eneste album var ikke særligt hipt, da det udkom. Det udkom nemlig samtidig med Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band 1. juni 1967. Siden har de otte sange på Hip opnået status som en slags dansksproget rocks Rosettesten. Det har jeg aldrig helt forstået. Vel var Eik Skaløe, Søren Seirup, Stig Møller og Preben Devantier de første langhårede, der sang på dansk, men som musikere var de næppe mere end et bluesband midtvejs mellem det behjertede og det ubehjælpsomme.

Til gengæld havde de i Skaløe en sanger, der med en egen affabel energi utilsløret efterabede Bob Dylans dengang meget diskuterede måde at ikke-synge på. Og som tekstforfatter gav Skaløe den gryende københavnske hippiebevægelse dens helt egen Thøger Olesen. Sange som ‘Til Nashet’ med lotuslæbekysset og ‘Dunhammeraften’ er – i øvrigt ikke ufortjent – blevet danskrockklassikere med stort K.

Ultimativt karriere- og mytefremmende blev det, at Eik Skaløe døde ensom og forladt i Indien under omstændigheder, der siden har sat rygterne og fantasien i gang.

Jan Poulsen var ung med punken (som han har skrevet bindstærkt om), og han har heller aldrig forstået det der med Steppeulvene.

Det fremgår af forordet til den biografi, han nu udgiver om bandets sanger, Eik Skaløe – spejder og steppeulv. “Jeg har aldrig dyrket myten om Eik Skaløe og hans død, men er fascineret af, at hans enorme betydning i nyere dansk kultur alene er skabt på baggrund af disse otte sange ….” Derfor forsøger Poulsen “at tegne et større billede … dykke ned bag myten … hvor kom han fra? Hvad ville han? Og hvorfor skrev han som han gjorde?”, spørger Poulsen.

Det forsøger han at finde et svar på i en bog, der former sig som en researchmæssig tour de force. Poulsen har ikke talt med Gud, men eller med hver mand og kvinde, der har haft blot den mest forbigående kontakt til Skaløe. Skole- og spejderkammerater (han var en af Baden-Powells ulveunger i ti år), venner, bekendte og kærester (ikke mindst musen Iben Nagel Rasmussen), Klaus Rifbjerg (som havde samme Iben som en slags au pair), søsteren og moderen, som virker som en klog kone. Hun opdagede, som hans søster formulerer det, “meget hurtigt, at Eik havde svært ved at finde en balance mellem sit eget private jeg og det, han gerne ville i livet på den ene side og det at invitere ALLE mennesker indenfor på den anden…”.

Med det signalement som en slags omdrejningspunkt oprulles et liv, hvis barndom og tidlige ungdom ikke virker så meget anderledes end andre drenges dengang i de kortbuksede 50′ere. Og senere, via sit engagement i atomkampagnen, glider Skaløe, som nu ikke længere hed Sørensen, over i et mere holdningsløst hippieland, der også åbner for et stofmisbrug, som endda sender ham i fængsel for apotekerindbrud. Han fremstilles nærmest som en slags Kerouac-wannabe med lange udlandsrejser på tommelen, før det overhovedet var moderne herhjemme, og Steppeulvene virker nærmest som en slags projekt for ham, en engangsforeteelse. Videre, videre, videre. Søgende, søgende og aldrig findende. Frem til den i virkeligheden ret forudsigelige og næsten fatalistiske livsafslutning for egen hånd i oktober 1968.

Der er, naturligvis, en del nye ting i dette levnedsforløb (og mange fine, hidtil usete fotos). I denne blogsammenhæng er der især spændende at høre Steppeulvenes producer, Olav Bennike, og lydteknikeren, Birger Svan, fortælle om indspilningen af pladen, og om hvordan musikerne simpelthen var så skæve, at det var svært at holde takten. Ligesom det er fint at få fortalt historien bag coveret af ham, der tegnede det. Og Poulsen bruger også nyttig plads på at beskrive, hvor lidt Steppeulevene nåede at fylde på den danske scene indtil deres turneliv sluttede med at Skaløe blev arresteret for et knallerttyveri.

Derimod er det en smule sært, at en så flamboyant og indsigstfuld figur som Carsten Grolin, der i sin tid uden blusel skrev både pladens liner notes og anmeldte den i Ekstra Bladet, ikke har mere at fortælle.

Problemet er dog ikke mængden af informationer – Poulsen er så nidkær og pedantisk en researcher, at ikke meget formår at holde sig under hans radar – men at forfatteren både har svært ved skelne stort fra småt og betydende fra trivielt og ikke er så stilistisk ekviperet, at han kan undgå, at det ender i opremsning. Her hjælper den kronologiske fortællemodel ham heller ikke. Stilen er i bedste fald jordnær, men ofte rent ud kedsommeligt farveløs. Der er en del gode ansatser, f.eks. i form af at inddrage samtidsbilleder, men han evner ikke at holde motoren igang.

Det tjener Jan Poulsen til ære, at han viger uden om selv at besvare spørgsmålene, men det betyder også, at man savner, at forfatteren træder i karakter. Enten som helhjertet advokat for sin hovedperson eller som opponent mod samme. Og indledningstesen om sangerens ‘enorme’ kulturelle betydning dokumenteres ikke.

Men hvis meningen med bogen har været at vise, at Eik Skaløe har været et lige så almindeligt, ansvarsangst rodehoved som mange af sine jævnaldrende og at kun tilfældet eller skæbnen førte ham til endestationen, ja, så må projektet siges at være lykkedes.

Skaløe skriver i sit legendariske afskedsbrev: “Noone is to blame except the cruel person inside me”. Den person måtte gerne have været fremkaldt mere i denne bog.

Jan Poulsen: Eik Skaløe – spejder og steppeulv. Gyldendal. 320 sider. Grafisk smukt tilrettelagt, men forlaget nævner ikke af hvem. Udkommer i dag.

Forsidefoto: Søren Seirup.

PS: Min mening om Hip ufortalt, så forekommer det stadig mærkeligt, at netop denne plade endnu ikke er kommet i en remastereret deluxeudgave, indeholdende f.eks. de spolebåndsoptagelser til Iben, som nævnes i bogen. Måske et projekt for Jan Poulsen, Stig Møller og Olav Bennike?

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

 

Readmore  

Skousen så fuld af liv

Kommentarer slået fra

Fejringen af Niels Skousen fortsætter. Og den bliver vel at mærke aldrig til en selvfejring. Hippie er noget, man har folk til at skrive bøger om. For Skousen har det altid handlet om her og nu. Også da han i 1970 kiggede sig over skulderen og opdagede, at de gamle lurmærkede dage kunne sige noget eviggyldigt om tilværelsen derfra hvor vi stod (eller rettere: lå).

Selv hvis Skousen (og Peter Ingemann) efter Herfra hvor vi står havde besluttet at trække stikket ud af rørforstærkeren, ville de og den plade stadig stå som en uomgængelig udgivelse. Nu fortsatte de begge, og da Skousen lod sig hylde i Vega 14. maj sidste år for de foreløbige 40 år blev Herfra hvor vi står naturligvis genopført. Både med den oprindelige friskhed og den eftertankens ro, årene har givet.

Det kan man forvisse sig om på 40 år i dansk rock – live fra Store Vega, som udsendes i en sampak med dobbelt-cd og dvd.

Skousen & Ingemann flankeres af Stig Møller og Tømrer-Claus på hhv. akustisk og elektrisk guitar, og Hans Fagt betjener trommerne med et rastløst drive, der klæder sangene. Resultatet er majæstetisk og alligevel fuld af ydmyghed, som en hilsen til alle dem, der for vild i labyrinten og forsvandt derinde, som Skousen senere sang i generationsselvopgøret ’68′. Samtidig er det i høj grad musik, der er lyslevende og lysende af en stoisk ro, personificeret af Peter Ingemann. Guitaristerne bemestrer fra hver sin side kunsten at være flyvske og kontrollerede, og Skousen selv har en af scenekarrierens fineste øjeblikke.

I sin biografi, Herfra hvor jeg står, fortæller Skousen om tiden bagefter, beretter om, hvordan han pludselig blev “…umoderne”. Han var, skriver han, “i den postmoderne verden blevet et lille hjørne af mosaikken. Rockmusikken var ikke mere noget, der samlede. Den spredte folk ud i forskellige segmenter. Det poppede og elitære spaltedes igen, og ironien kom bankende med sin uigennemtrængelige overflade, teflonkomikerne dækkede sig bag den, strøg publikum med hårene og fik dem til at grine, ikke af sig selv, men af de andre, af taberne. Det var en ny realisme, blev der sagt. Se verden som den er, ikke som du gerne vil have den skal være. Vi er alle bare en vare på det hellige almindelige marked. Fat det dog.”

Niels Skousen forstod det godt, men han nægtede at fatte det.

Gradvist genfandt han fodfæstet eller også endte tiden med at være med ham, have behov for hans slags. I hvert fald har han siden årtusindskiftet markeret sig som en kontemporær, men alt andet end historieløs sanger og sangskriver uden sidestykke herhjemme. Kritikermedvinden glæder ham, men endnu gladere er han vist for igen at være del af et musik(er)miljø. Denne gang er ingen ude på at redde verden. Vi har nok i at redde os selv, men Skousens nyere sange har et sikkert, ofte mildt ironiserende blik for, at det ikke nytter at pleje sin branding, hvis ikke man har et ståsted og en standing. Det behøver han ikke lytte til sin coach for at vide…

Et sådant har Skousen haft længe, men hans nye, unge kolleger tvinger ham til at indse, at laurbær højst er noget man kan bruge til simreretter. Den erkendelse og den drivkraft er med til at gøre anden halvdel af dette cd/dvd-sæt med nye og nyere sange til en oplevelse. Som at være der selv, som vi plejer at sige. Her fyldes nyt liv i frasen.

Skousen er indtrængende og velsyngende med smuk reverens til sin fortid som cabaretskuespiller foran et tæt, næsten Velvet Underground-metallisk band bestående af de moderne pigtrådsguitarister, Jonas Struck og Rune Kjeldsen, bassisten Jens Hein, den indpiskende trommeslager Rasmus Valldorf, korsangerne Maria Køhnke og Sidse Holte samt Lise Westzynthius på klaver og den iltre Jacob Dinesen på sax i alt andet end Knud Bjørnø-stil.

Ingen synger Dylan som Dylan (det skulle da lige være Skousen) og ingen synger Skousen som Skousen. Han havde gæster med i Vega. Det virker ikke alle steder lige nødvendigt, men Skousen skal være tilgivet for at lade begivenheden løbe af med ham. Kun Peter Sommer og hans udspændte nervetråde formår for alvor at gøre sangen (‘Det sker’) til sin.

Linda Wendel har no-nonsense filmet koncerten i en magisk, tintet belysning, som dog holder sig på den rigtige side af nostalgi. Som for at sige, at Niels Skousen nok er en legende, men han har fremtiden for sig.

Niels Skousen: 40 år i dansk rock – live i Store Vega. Musikoptagelse og mix: Mick Raaschou & Rasmus Winther Jensen. Dvd: Linda Wendel. A:larm/Universal. Udkommer i morgen. Sættet indeholder fine samtaler med Skousen (og Ingemann) samt ‘Tidens tog’, en stemningsmættet ny Nikolaj Nørlund-produceret sang og video.

Coverfoto: Eric Klitgaard

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

 

 

Readmore  

Nephew kickstarter

Kommentarer slået fra

Nej, jeg har aldrig stået på en festival og stampet og skrålet i takt til Nephews Kraftwerk-teutonske tungrock, men har altid godt kunne se og høre meningen med Simon Kvamms projekt. Som netop altid har slået mig som netop dét – et projekt, en konstruktion. En dygtig og effektiv dekonstruktiv ajourføring af pulsen bag et band som Gnags, en slags mærkelig bagvendt intellektualisering af TV2 og Kliche.

Og så – hallo, hallo – udsætter Kvamm & co. min blaserthed for et frontalangreb med deres nye hjertebankende cd, Hjertestarter, en titel, der er valgt med præcision. Jeg har læst mig til, at nogen mener, at denne ‘nye’ inderlighed ikke klæder Nephew. Hende om det:-)

Dette er en ret tilfredsstillende plade. Bandet spiller som et band (med forankring i Rene Munk Thallunds imposante klaviaturer og Søren Arnholts alt andet end maskinelle trommer), og sangene giver sig tid til både eftertanke og dejlig ubetænksomhed af den slags, der ikke vil holdes nede, når kærligheden, dødsbevidstheden og livsviljen fremkaldes i et og samme spejlbillede.

Lyder det indviklet? Sådan er det faktisk ikke. Musikken er ganske ligetil. Ikke sangbar på den fadølsdumme facon, men så selvfølgelig som vejrtrækning. Kvamms karakteristiske anti-crooner-stemme draperes af raffinerede vokalharmonier, som konstant udfordres af instrumentalpassager, fulde af overraskende detaljer. Der får skrøbelighed til at spille effektivt op mod den bazooka-bastante rytmik, der også er Nephew (som på ‘Alt er synd’, der lyder, som hvis Rammstein var produceret af Brian Wilson).

Sangene handler om fravær, nærvær, mod og lidenskab – akserne i ethvert moderne parforhold. Titelsangen er en magtfuld åbner. Mødet med Vesterhavsnaturen blæser sangeren, “Simon Sortsyn”, omkuld og igennem: “Kom nu og blæs mig i gang”. Og der er brug for medvind i dette Danmark, hvor “alt er hårdt”, som det siges i sangen af samme navn. “Der kommer kraftedeme sten op ad jorden…” Eneste udvej  indtil ‘Klokken 25′ er, at “vi ta’r på hinanden” og “ta’r vare på hinanden”. Og på sange som ‘Gå med dig’ og ‘De satans hæmninger’ varieres temaet, så det kommer til at handle om en anden form for afhængighed. Både effektivt og (selv)afslørende.

Kvamm er stadig den sidste konkretiske danske rockpoet, og rimer “stødtand” på ‘Letterman”, og klemmer lige lidt civilisationskritik ud mellem linjerne uden at mene noget i plakatstørrelse. Så meget mere virkning har linjer som “det er synd, Sandholmlejren har så lille en låge…”

Den crescendoakkumulerende ballade, ‘Søndagsbange’, er en skræmmende, smuk sang om, hvordan døden bestemt er noget at frygte. Desto vigtigere er det at se døden som et livstegn, desto vigtigere er det at leve. Og i ‘Åh Gud, jeg holder øje med dig’ sender Kvamm en særlig hilsen til Haraldsgade og omegn. Når han bli’r gammel, vil han ikke sidde på en mole. Næh, “når jeg bli’r gammel, så vil jeg håbe, jeg selv kan tørre min røv. Når jeg bli’r gammel, så vil jeg håbe, jeg ik’ har glemt det, hvis jeg er døv…” Og han vil indtrængende frabede sig at ende på “verdens uhyggeligste sted/det go’e gamle plejehjem.”

Jeg kan godt følge ham, men har altid følt mig betrygget af, at vi er nogle, der til den tid lader rocken flytte med. Så har vi den altid ved hånden, hjertestarteren.

Nephew: Hjertestarter. Producer: Carsten Heller. Copenhagen Records.

Illustration: Esben Niklasson/Ricky John Molloy.

Kvamm & co. kan høres rundt i landet fra i morgen på Bremen i København.

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

 

 

 

Readmore  

Neil’s journey through the past – igen

6 Comments

Først en tilståelse: Jeg har lyttet mig ind på Psychedelic pill, Neil Youngs nye og nogen-og-tredivte studiealbum, mens jeg lavede mad. I køkkenet har jeg en diminutiv alt-i-en cd/højttaler af designermærket Muji. Det er ikke en anskaffelse, der sikrer mig æresmedlemskab af Hi-Fi Klubben, og jeg står til anmærkninger i Youngs sorte bog, for en af sangerens mærkesager er bedre, mere naturtro lyd til folket. En ting er cd’er, de er siges at være på vej ud, men streaming, MP3 og den slags djævelskab er for Young et bevis på, at vi ikke længere interesserer os for musik, men for form.

Som han siger i sin netop udsendte, fragmentariske, men alligevel anbefalelsesværdige selvbiografi Waging Heavy Peace betragtes musikken nu om dage som “et spil, et underholdningsmedie, et stykke cool tidsfordriv”. I modsætning til i gamle dage (der var de igen!), hvor musikken var en del af en kultur. Det er den ikke længere, men i stedet for at undre sig over, hvor den kulturelle samhørighed blev af og hvorfor, har Young sin egen forklaring på vores manglende vilje til at lade musikken være “a message to the soul”. Det er ikke samfundsforandringens skyld endsige musikkens, næh, det skyldes lyden. Derfor arbejder han p.t. på at få sponsorer til sit  Pure-Tone-projekt, som skulle kunne give os den oprindelige fuldtonende lyd igen. Og altså også få verden til at hænge bedre sammen eller hvordan er det nu lige det er?

Måske har han ret, det er jeg ikke hi-fi freak nok til at kunne afgøre, og er også ligeglad – Phil Spectors målestok for god lyd var, at den også kunne klare at komme ud gennem en transistorradio – men det bliver ved at undre mig, at netop en komponist og musiker som Neil Young kerer sig så meget om lyd. Hans musikalske naturkraft har aldrig ladet sig inddæmme, og mange af hans plader lyder alt andet end velplejede og raffinerede. De lyder levende og krasse og stoflige. Også på en køkkenmonohøjttaler. Eller – tør jeg nævne fjenden? – en iPod.

Tidligere på året fik han igen Crazy Horse ud af stalden. Resultatet, Americana, var interessant, før det var noget andet. Et lille halvt år senere gennemtyrer han og Crazy Horse så en række nye Neil Young-sange. I sin bog fortæller Young, at han synes, Crazy Horse-samarbejdet kræver nyt blod for at kunne fortsætte meningsfuldt.

Det må han så siden mene, at han har indgivet det band, der, som han formulerer det, lever som et dyr i sig selv, når det først kommer i gang. Det har han ret i. Det er ikke verdens dygtigste band, men konstellationen af Ralph Molinas fodslæbende tromme, Billy Talbots skomager-for-viderekomne bas og Frank Sampedros elektriske guitar alter ego til Young virker. Og gør det også her. Det er umiskendeligt Neil Young. Og ikke et ondt ord om det, jeg har i perioder mentalt od’et mig selv med hans musik, men der er ikke noget på pladen, som fik mig til at mislykkes med bechamelsovsen.

Okay, det er i sig selv en kritik af markedssituationen at indlede cd’en med ‘Drifting back’, 27 minutter, der er som hentet ud af en livesession fra 1975. Drifting back indeed… I alt varer dobbeltalbummet 87 minutter. Det havde det ikke behøvet gøre.

Vi har fattet pointen efter den første halve time. Neil Young stiger igen på toget, der tager ham tilbage til dengang det var før. Det er jo ikke fordi det er dårligt, og kan man lide Neil Young, vil man knuselske, at han er vendt tilbage til sit gamle ortodokse selv. Her er vokalharmonier som på ‘After the gold rush’, ansatser til Harvest-agtige ballader, guitarmeditationer som på ‘Like a hurricane’, sekvenser, der lyder som Metrobyggeriet samt genopførelser af psykedeliske modeluner som phasing og godt med trampen på effektpedalerne. Og Young selv synger godt. Med den der stemme, der egentlig gør det lige meget, hvad han synger. Han er på udkig efter de gode tider, synger han. Og det lyder som om de opstår for ham, når han sætter sporerne i Den skøre Krikke.

I bogen fortæller Young, at han sideløbende med dette projekt er ved at sammenstykke en tilbageskuende samling af not-so-greatest hits med ham og Crazy Horse fra den tidlige 70-er-fase. Early daze skal den hedde. Den kan jeg godt høre for mig.

Neil Young & Crazy Horse: Psychedelic pill. Producere: Neil Young, John Hanlon & Mark Humphreys. Reprise/Warner.

Neil Young: Waging heavy peace – a hippie dream. Penguin. 500 sider.

Foto (fra bogforsiden): Platon

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Readmore  

Marie Key låser op

Kommentarer slået fra

Jeg har længe været forelsket i Marie Key. Det er nok et håbløst projekt, og her tænker jeg ikke kun på aldersforskellen. Så jeg må tage til takke med hendes plader (og koncerter). Tak er kun et fattigt ord her, medens jeg sidder og prøver at samle mig til at anmelde De her dage, Marie Keys fjerde cd, og hendes andet album som solist (i elektronisk samspil med Andreas ‘Maskinen’ Sommer).

Sangene kommer hele tiden i vejen for mine ord, og hele tiden skal jeg tilbage og falde hen i den og den detalje, genhøre disse (k)ærlighedssange, som emmer af de følelser, der kan få dig til enten konstant at støde mod kantstenene eller nærmest udstyre cyklen med luftpuder.

Marie Keys kunst er, at hun kan lukke larmen ude og så alligevel betone, at det er den baggrund, vi lever på. Der er ikke mange grønne bølger i hendes kærlighedsliv, men hun kører også tit over for rødt. Fordi hun ikke kan lade være, fordi livet er for kort til vigespor, men samtidig kan hun som alle os andre trænge til en af de aftener, hvor hun godt ved, at “nogle gange er der fester/og det er fedt med øl og fedt med gæster/jeg fatter bare ikke hvad vi skal med dem i nat,” synger hun på ‘Crowd’.

Det fascinerende ved Marie Key er ikke, at hun synger poetisk-ømt som en lillepige, men ofte er det stik modsatte, men at hun evner at skrive sange, som kan holde til at blive behængt med uhyre musikalsk elektronica, men til hver en tid virker, som om de kan forvandle sig enten til fuldbårne, violinballader eller sårbart-stærk singer-songwritersange i det dobbeltland, der også er befolket af så forskellige folk som Anne Linnet, Steffen Brandt og Jonathan Richman.

I denne tid, hvor den ene cd efter den anden er alt for lang bare fordi det tillader mediet, er det befriende med en kunstner, der får 36 minutter til at vare en lille evighed. De her dage er fulde af store små storbysange om jalousi, trang til tryghed og hed elskov, hengivenhed og håb. Ordene er hverdagsdirekte, mundrette, men synges magisk søndagsdrømmende. Med et mod til samme ægte banalitet, man kender fra Anne Dorte Michelsen, men en tand mere privat uden af den grund at være holdt i kodesprog.

Et godt, modigt atypisk eksempel er ‘Skagen’, sangen til hendes far. Egentlig ikke mere end en musikalsk vignet, et stykke fortættet kortprosa, hvor faderen er til stede i kraft af minder, men bliver virkelig igen i en sang så fysisk, at man kan dufte hans tobak, smage hans hvidvin og beundre hans slips: “Nu har jeg kun hans ting, jeg savner ham…”

I en anden boldgade befinder sig en sang som ‘Ryg mod ryg’; et bevis på, hvor god en situationsfremkalder, Key er: “Hvem fanden tager hende/som jeg holder om og forguder?/Det mest dyrebare jeg har/og du er endda fucking straight, din nar…” Og melodier som ‘Uopnåelig’ og den tids- og åndedrætsstoppende titelsang ejer en sexet sanselighed, man ikke behøver være kvinde for at føle. Marie Key længes. Efter “tiden, hvor det godt må være lidt ude af kontrol…” for

“Måske er det her året
hvor vi ikke lover mere end vi kan holde
Måske er de her dage
nogle vi husker som dem vi satte fri…” 

Denne blog lader kun Gud om at bruge stjernerne på himlen som sigtepunkter, så lad andre om at gradbøje Marie Key. Jeg har lyttet mig frem til koden på hendes lås.

Marie Key: De her dage. Producer: Andreas ‘Maskinen’ Sommer. Sony.

PR-foto: Per Morten Abrahamsen/Sony ©

FØLG MIG OGSÅ PÅ FACEBOOK

 

 

 

Readmore  
Anmeldelser
Charles Bradley bløder stadig

Charles Bradley bløder stadig

No Comment

 

Da Charles Bradley for to år siden i en alder af 62 albumdebuterede med No time for dreaming lød han ikke som en debutant. Hans bluesmættede soulfunk lød både gammel og ny. Han havde været helt nede og var kommet op ved at bruge musikken som stige. Det var ikke sådan, at man ikke kunne […]
Journalistik og musik
Utroligt, men sandt: Sven Gaul bliver 60

Utroligt, men sandt: Sven Gaul bliver 60

No Comment

 

For mange er Steffen Brandt så afgørende for TV-2, at de sætter lighedstegn mellem ham og poporkestret, men folk omkring bandet er ikke i tvivl: Det er trommeslageren Sven Gaul, der er bandets kapelmester og cheflogistiker. Sådan har det været siden det såkaldt progressive band, Taurus, sagde farvel til 70’erne og mødte 80’erne som TV-2, […]

Back to Top